Nos « Jean-Sébastien Bach : Inventions à deux voix », spécialement arrangées pour le nyckelharpa, vous invitent à découvrir les œuvres de Bach sous un nouveau jour. Composées à l’origine comme matériel pédagogique pour son fils Wilhelm Friedemann, les Inventions de Bach représentent une musique qui ne doit pas seulement être exécutée, mais comprise et conçue comme un art artisanal. Dans cette tradition, notre voix de basse supplémentaire ajoute non seulement un niveau supplémentaire aux inventions, mais encourage également une approche expérimentale de la musique.
La dualité musicale de Bach : le nyckelharpa comme pont entre les instruments à clavier et les instruments à cordes
Jean-Sébastien Bach, un maître du clavier, s’est montré tout aussi à l’aise avec les instruments à cordes. Sa musique, composée à l’origine pour le piano, déploie une magie unique sur les instruments à cordes. Le nyckelharpa, un instrument probablement tombé en désuétude à l’époque de Bach dans les pays germaniques, incarne à merveille la dualité de son âme musicale. La variété d’articulation par l’archet et la précision du clavier avec ses tangentes permettent de redécouvrir la complexité des structures harmoniques de Bach. Sans oublier les cordes de résonance, qui permettent de ressentir encore plus intensément les liens harmoniques.
Pourquoi jouer « Jean-Sébastien Bach : Inventions à deux voix » sur le nyckelharpa ?
Le nyckelharpa, autrefois oublié dans les pays germanophones, fascine à nouveau aujourd’hui par sa sonorité unique. La diversité de ses possibilités d’expression musicale, de la mélodie au soutien harmonique, en fait l’instrument idéal pour interpréter la musique de Bach. Nos arrangements des Inventions pour nyckelharpa ouvrent de nouvelles perspectives sur ces chefs-d’œuvre intemporels, en reprenant et en élargissant la diversité musicale et la profonde résonance émotionnelle de ces compositions.
Invitation à l’expérience créative
Les arrangements de « Jean-Sébastien Bach : Inventions à deux voix » offrent une occasion unique d’explorer et d’approfondir l’art de jouer de la nyckelharpa. En ajoutant une voix de basse supplémentaire, nous invitons à réinterpréter les Inventions de Bach et à explorer des voies musicales personnelles. Cette édition vise à offrir aux musiciens un cadre pour expérimenter de manière créative tout en découvrant la complexité des compositions de Bach sous un jour nouveau.
A qui s’adresse « Jean-Sébastien Bach : Inventions à deux voix » ?
Cette publication s’adresse à tous ceux qui souhaitent élargir leur expression musicale et s’immerger dans le monde fascinant de la musique baroque. Que vous soyez débutant ou avancé, les arrangements sont conçus pour être accessibles à différents niveaux de jeu. Ils conviennent parfaitement aux musiciens qui sont à la recherche de nouveaux défis et qui souhaitent repousser les limites de leur instrument.
Redécouvrir les Inventions de Bach : Le nyckelharpa ouvre des horizons musicaux
Découvrez « Jean-Sébastien Bach : Inventions à deux voix » d’une toute nouvelle manière grâce à nos compositions spécialement arrangées pour le nyckelharpa. Laissez-vous inspirer par la combinaison unique de beauté mélodique et de profondeur harmonique et élargissez vos horizons musicaux. Plongez dans le monde de la musique baroque et revivez le génie intemporel des œuvres de Jean-Sébastien Bach – jouées sur l’un des instruments les plus fascinants de l’histoire de la musique.
Textes en allemand et en anglais
VIDEO : Concert de clôture des Nyckelharpatage au château de Fürsteneck en octobre 2018 (avec Marco Ambrosini, Jule Bauer, Anette Osann et Eva-Maria Rusche)
Les Inventions de Bach faisaient à l’origine partie de son « Klavierbüchlein » (livret pour piano) destiné à son fils Wilhelm Friedemann Bach en tant que pièces d’apprentissage et d’entraînement. Elles ont été une nouvelle fois révisées et réorganisées en 1723.
Peu de compositeurs de l’histoire de la musique occidentale ont la réputation d’avoir produit des œuvres aussi parfaites et complètes que celles de Bach.
A en juger par son propre « Auffrichtiger Anleitung », Bach ne cherche pas seulement à « exécuter » les œuvres qu’il a composées, mais aussi à « obtenir un avant-goût solide de la composition ». Cette approche essentielle pour la musique baroque, selon laquelle il s’agit en premier lieu de comprendre la musique en tant qu’art artisanal en (co)créant soi-même, va à l’encontre de l’idée, issue du romantisme et toujours présente (de manière latente) aujourd’hui, de la perfection intouchable des œuvres géniales qu’il s’agit d’exécuter le plus « historiquement correct » possible. Il vaut la peine de prendre conscience du fait que nous portons toujours inconsciemment cette idée romantique de l’art comme quelque chose de muséal et que nous regardons ainsi toutes les autres époques passées comme à travers des lunettes du XIXe siècle, si l’on ne veut pas que le fait de modifier, de transposer, de recomposer ou de recomposer soit toujours accompagné d’une mauvaise conscience, comme un sacrilège contre le sanctuaire.
Dans ce contexte, la voix de basse supplémentaire que nous avons ajoutée n’a pas pour but d’ajouter quelque chose qui manquerait à la composition originale, mais plutôt d’être considérée comme une invitation à l’expérimentation.
Contrairement à celles à trois voix, les inventions à deux voix sont un bicinium entre le contrepoint polyphonique (qui trouve son origine à la Renaissance), où chaque voix a la même importance, et la basse continue baroque, qui présuppose la structure harmonique verticale comme ossature de la polyphonie et donne ainsi une priorité fondamentale à la voix inférieure comme fondement de l’harmonie. La deuxième voix possède donc une double fonction dans les inventions à deux voix : (1) en tant que contrepartie équivalente à la première voix et (2) en tant que basse harmonique au sens baroque du terme. Cette dernière fonction est particulièrement évidente dans les cadences.
Rien que de ce point de vue, les inventions sont étonnamment colorées et variées : Selon le caractère ou la structure de composition des inventions, l’ajout d’une voix de basse supplémentaire est plus ou moins satisfaisant. Ainsi, dans l’une des inventions, une troisième voix s’impose d’elle-même, alors que dans l’autre, il est presque impossible de trouver ne serait-ce qu’une possibilité qui fasse office de basse tout en obéissant à toutes les règles baroques de conduite de la voix
.
La diversité de la musique de Bach est également visible dans le détail lorsque l’on ajoute des compositions : par exemple, les séquences ou les thèmes récurrents semblent généralement construits sur le même modèle au premier abord, mais en y regardant de plus près, on constate souvent que si cela est vrai pour les séquences mélodiques, cela ne l’est pas du tout pour le schéma harmonique sous-jacent.
En principe, nous ne sommes pas partis de l’idée d’une polyphonie à trois voix, mais plutôt des champs harmoniques qui flottent déjà implicitement « entre les lignes » et qu’une voix de continuo explicite ne fait que rendre plus audibles. La voix réalisée dans notre édition n’est donc bien sûr qu’une seule possibilité parmi d’innombrables autres, en gardant toujours à l’esprit que chaque note réellement émise est toujours une décision qui réduit à une seule la diversité des possibilités harmoniques contenues dans la musique : L’ajout d’une partie de continuo fait disparaître les ambiguïtés fascinantes et les transitions floues entre les champs harmoniques, si fréquentes dans les inventions à deux voix, qui donnent à la musique son caractère si typique d’ondulation et pourtant si concluant d’insaisissable.
La multitude de possibilités harmoniques est regroupée en une seule à certains points d’ancrage : les cadences (authentiques) qui structurent formellement les morceaux. Ici, il n’y a qu’une seule possibilité, à savoir V – I (la cadence de la basse). Comme la deuxième voix composée par Bach doit obligatoirement assumer la fonction de basse harmonique, la seule possibilité pour notre voix de basse ajoutée (si l’on ne veut pas modifier la deuxième voix originale) est de laisser le continuo se dérouler en partie en parallèle avec la deuxième voix. Dans la mesure du possible, nous avons dans ces cas placé la partie de continuo une octave plus bas, de manière comparable à un renforcement par violon de la partie de basse dans les mouvements de choral à quatre voix.
Chaque joueur est libre de considérer nos modifications comme des suggestions et de poursuivre ses recherches, ce qui lui permettra certainement d’acquérir au moins une connaissance utile de l’original.
Les deux aspects du continuo (voix de basse et accords) étant indissociables, ils doivent idéalement être considérés et joués ensemble lors de l’exécution. La partie de basse peut également être jouée sans accords avec les deux parties supérieures, mais il faut garder à l’esprit qu’elle n’a qu’une fonction de basse harmonique : Lors de la suspension, nous avons réduit au minimum la partie mélodique afin que la basse soit un soutien mais pas une urgence.
De même, un instrument d’accompagnement jouant des harmonies (par exemple un luth ou une guitare) peut prendre en charge les accords sans instrument de basse supplémentaire, idéalement en incluant plus ou moins la voix de basse selon les possibilités techniques.
Un instrument à clavier (par exemple un clavecin ou un piano) peut soit jouer les parties originales, partiellement transposées, de manière obligatoire. Un continuiste expérimenté peut, à partir des parties originales existantes d’une part et de notre partie de basse d’autre part, réaliser un accompagnement qui, selon les goûts, s’oriente davantage vers le jeu de basse continue baroque ou vers la pensée moderne en matière d’accords. Pour des raisons de clarté, nous n’avons pas ajouté de chiffrage de la basse continue.
Pourquoi jouer les Inventions de Bach sur la nyckelharpa/violoncelle à clefs/viola d’amour a chiavi ?
Ces dernières années, nous avons constaté un grand intérêt parmi les joueurs de nyckelharpa pour l’interprétation de musique ancienne. Notre instrument bien-aimé, non seulement en tant que reconstruction plus ou moins historiquement correcte, par exemple de la « sienaharpa » ou de la « moraharpa », mais aussi dans sa version moderne « continentale » à quatre rangs, et sa sonorité conviennent parfaitement à la musique du Moyen Âge au Baroque.
Les Inventions de Bach ont une sonorité impressionnante lorsqu’elles sont jouées avec Nyckelharpor. Il y a quelque temps, nous avons commencé à les organiser pour nos étudiants. Après les avoir améliorés, testés et présentés pendant une longue période, nous avons finalement décidé de rendre notre travail accessible au grand public par le biais de cette publication.
Johann Sebastian était sans doute avant tout un instrumentiste à clavier, mais on dit qu’il était aussi un excellent joueur de cordes. Nombre de ses œuvres pour clavier se prêtent merveilleusement bien à l’interprétation par des instruments à cordes, et sa volonté de rechercher une manière « cantabile » d’interpréter la musique au « clavier » se réfère certainement aux possibilités de phrasé de la voix humaine et des instruments à vent et à cordes de son époque.
La vièle à clefs, qui n’était très probablement plus connue dans les pays germanophones à son époque, réunit pourtant précisément ces deux âmes musicales de Bach : L’archet, avec ses possibilités d’articulation particulières, guide les tournures mélodiques et rythmiques des voix individuelles, le clavier, avec ses touches et ses tangentes, permet une intonation précise, un son de corde à vide à chaque note jouée et, en fin de compte, une transparence peut-être unique dans la structure harmonique complexe de ses œuvres – sans oublier les cordes de résonance de l’instrument qui, grâce à la résonance prolongée des notes jouées, peuvent servir à mieux ressentir les relations harmoniques.
Cette édition des Inventions est spécialement conçue pour les violons à quatre rangs de clés accordés en quinte, bien que la première partie soit également jouable dans presque tous les cas pour les instruments à trois rangs accordés en traditionnel et en quinte.
Une question qui se pose lors de l’arrangement de musique pour les différents instruments de la famille nyckelharpa concerne l’utilisation de différentes clés dans la partition. Il s’agit dans ce cas d’un débat relativement récent, stimulé par la plus grande diffusion des instruments à quatre rangs sur le continent et plutôt inconnu dans les pays scandinaves. Pour l’instrument traditionnel suédois, avec son accordage spécifique, ses trois rangées de touches et l’utilisation de la quatrième corde comme bourdon, il n’est pas nécessaire d’écrire des notes plus basses que la troisième corde à vide (sol). C’est pourquoi le répertoire suédois peut normalement être noté en clé de sol.
La situation est évidemment très différente pour la vièle à quatre rangées de clés. Comment écrire des notes pour les touches de la quatrième corde (grave) ? Dans ce cas, nous avons choisi d’utiliser trois écritures différentes : Clé de sol, clé de sol transposée et clé de fa.
Pour les symboles d’accords, nous avons utilisé une notation internationale compréhensible par tous (le « B » désigne ici le B anglais, donc le H allemand, alors que le Bb représente le B allemand) et réduit au minimum les informations dépassant les trois et quatre sons (où « Oif »=C à moitié diminué, « Co »=C entièrement diminué). Ce n’est que dans le cas d’arrêts distincts dans les parties supérieures sur le temps fort que ceux-ci ont été indiqués dans le symbole d’accord afin d’éviter une dissonance involontaire, par exemple « C7( 4-3) ». Bien entendu, chaque interprète est libre d’inclure des retenues supplémentaires, des sons optionnels et des altérations.
Les « accords slash » (par exemple C/G) ont été évités pour des raisons de clarté : Si le joueur d’accords accompagne sans instrument de basse supplémentaire, nous l’encourageons à prendre en compte la partie de basse notée à la place. Si un son de basse n’est pas associé à un symbole, le précédent s’applique encore.
Nous avons arrangé cette édition des Inventions pour deux violons à clés et continuo. Nous avons non seulement transposé certaines compositions, mais nous les avons également modifiées de manière à ce qu’elles puissent être jouées sur ce type d’instrument de manière judicieuse et, à nos yeux, esthétique.
La vue de la partition (qui est moins destinée à être jouée) sert à avoir une vue d’ensemble des modifications que nous avons effectuées.
Mais d’autres configurations sont possibles et envisagées. Les parties que nous avons arrangées ne conviennent évidemment pas seulement aux violons à clés, mais aussi parfaitement aux autres instruments à cordes :
1ère voix
Violon soprano à clés (accordage violon)
Violon alto à clés
Nyckelharpa traditionnel à 3 rangs
Violon disco
2ème voix
Violon alto à clés (4 rangs en accord avec l’alto)
Nyckelharpa traditionnelle à 4 rangs
Violon alto ou partiellement ténor
Alto
Basse
Violoncelle basse à clefs
Octave-nyckelharpa
Viole de gambe
Violoncelle
Il en résulte, à titre d’exemple, les possibilités d’occupation suivantes :
deux violons à clés ou autres instruments à cordes jouant les parties originales arrangées
trois violons à clés ou autres instruments à cordes jouant les parties originales arrangées et la partie de basse ajoutée
deux violons à clés ou autres instruments à cordes jouant les parties originales arrangées + un instrument à clavier jouant les parties originales
deux violons à clés ou autres instruments à cordes jouant les parties originales arrangées + un instrument à clavier ou une guitare/luth jouant les accords
deux violons à clés ou autres instruments à cordes jouant les parties originales arrangées + un groupe de continuo jouant la partie de basse et les accords (par ex. violoncelle/violoncelle basse et clavecin/luth/guitare)
Nous avons essayé de tenir compte de toutes ces différentes possibilités dans nos arrangements, afin de permettre avant tout une utilisation créative et plaisante de ce trésor hautement impressionnant de la culture musicale occidentale.
Amusez-vous bien !
Marco Ambrosini, Caterina Other & Eva-Maria Rusche
Septembre 2018
Contenu
Contenu
Instructions sincères – Préface
Pourquoi jouer les Inventions de Bach sur la nyckelharpa/violoncelle à clefs/viola d’amour a chiavi ?
Straightforward Instruction – Préface
Pourquoi les Inventions de Johann Sebastian Bach devraient-elles être interprétées sur le nyckelharpa ?
Inventio 1 (BWV772)
Inventio 2 (BWV773)
Inventio 3 (BWV774)
Inventio 4 (BWV775)
Inventio 5 (BWV776)
Inventio 6 (BWV777)
Inventio 7 (BWV778)
Inventio 8 (BWV779)
Inventio 9 (BWV780)
Inventio 10 (BWV781)
Inventio 11 (BWV782)
Inventio 12 (BWV783)
Inventio 13 (BWV784)
Inventio 14 (BWV785)
Inventio 15 (BWV786)
Texte de la quatrième de couverture
Jean-Sébastien Bach était certainement à l’origine un claviériste, mais on dit qu’il était également un excellent joueur de cordes. Nombre de ses œuvres pour clavier se prêtent merveilleusement bien à une interprétation par des instruments à cordes. La nyckelharpa, qui n’était très probablement plus connue dans les pays germanophones à son époque, réunit précisément ces deux âmes musicales de Bach : L’archet, avec ses possibilités d’articulation particulières, guide les tournures mélodiques et rythmiques des voix individuelles, le clavier avec ses touches et ses tangentes permet une intonation précise, un son de corde à vide à chaque note jouée, en fin de compte aussi une transparence peut-être unique dans la structure harmonique complexe de ses œuvres – sans oublier les cordes de résonance de l’instrument, qui peuvent servir à mieux ressentir les relations harmoniques grâce à la résonance prolongée des notes jouées.
Auteur:intérieur
Marco Ambrosini
Marco Ambrosini, né en 1964 à Forlì, Italie, est un musicien, compositeur et arrangeur exceptionnel qui a commencé son voyage musical dans le monde de la musique classique. Il a étudié le violon et la composition et a joué dans différents orchestres et ensembles avant de connaître un tournant fascinant dans sa carrière.
Sa passion l’a conduit à la nyckelharpa, une vièle à clés presque oubliée mais fascinante. Cet instrument, qui est une sorte de violon avec des touches, a enthousiasmé Marco, et il est devenu l’un des premiers à utiliser la nyckelharpa en dehors de la Scandinavie, non seulement dans la musique folklorique suédoise, mais aussi dans la musique ancienne et contemporaine.
Ambrosini est connu pour sa diversité artistique. Il a collaboré avec des ensembles prestigieux tels que L’Arpeggiata, Oni Wytars et Supersonus et a conquis les scènes du monde entier. Son talent s’étend aussi au domaine du jazz, où il a joué avec des artistes comme Michael Riessler et Jean-Louis Matinier.
Avec plus de 160 CD enregistrés, publiés par des labels prestigieux comme Sony Classical, Deutsche Harmonia Mundi et ECM, Marco Ambrosini a solidement établi son influence dans le monde de la musique.
De plus, Marco partage sa passion et ses connaissances en enseignant dans différentes universités en Europe. Il a également lancé des initiatives éducatives telles que la formation européenne de nyckelharpa et est actif en tant que directeur artistique des Summer Master Classes de musique ancienne.
Marco Ambrosini est un musicien de classe mondiale et un maître de son métier. Sa musique inspire et enrichit le monde de la musique traditionnelle, et son travail s’étend au-delà des frontières et des âges.
Caterina Other
Caterina Other est une artiste d’exception qui a baigné dans le monde de la musique depuis son plus jeune âge. Elle a reçu une formation musicale de base au violon, mais sa passion l’a conduite dans le monde fascinant de la nyckelharpa suédoise. Une formation à l’académie Burg Fürsteneck lui a permis de percer les secrets de cet instrument unique.
Diplômée de la formation européenne de nyckelharpa, Caterina partage maintenant ses connaissances et son savoir-faire en donnant des cours et des leçons de nyckelharpa. Sa passion pour la musique s’étend aussi bien à des projets de musique ancienne comme « bach transparent » qu’à la musique folk avec des groupes comme « Strömkarlen » et « Fröken Schultze ».
Ce qui caractérise Caterina, c’est son lien profond avec sa propre tradition musicale et la manière dont elle la vit dans sa diversité. Le nyckelharpa, un violon à 16 cordes, a une signification très particulière entre ses mains. Elle modifie la hauteur des cordes mélodiques par simple pression sur une touche, et les douze cordes de résonance supplémentaires confèrent à son jeu une sonorité unique.
Caterina a grandi dans une famille de musiciens, mais elle a délibérément choisi de suivre sa propre voie musicale. Après une brillante carrière de couturière à l’Opéra Semper et sur les marchés médiévaux, un coup du sort l’a conduite à se consacrer entièrement à la musique il y a plus de dix ans. Le nyckelharpa est devenu sa nouvelle voie, et elle a commencé une formation de trois ans qui a approfondi sa passion pour cet instrument fascinant.
Leur musique est un crossover puissant entre la musique ancienne et la chanson moderne. Caterina est membre du quatuor de nyckelharpa et élargit constamment ses horizons créatifs. Elle n’est pas seulement une musicienne exceptionnelle, mais aussi une enseignante inspirée, qui a même initié des élèves à l’art du nyckelharpa à Dresde.
Caterina vit à Quohren, près de Dresde, et est l’une des rares artistes à faire revivre la nyckelharpa en Allemagne. Sa musique est empreinte de mélancolie, de mysticisme et de mystère, et elle parvient à toucher l’âme de ses auditeurs.
Eva-Maria Rusche
Eva-Maria Rusche, née à Tübingen en Allemagne, est une artiste exceptionnelle dont le parcours de vie est marqué par la fascination pour le piano. Dès l’âge tendre de 5 ans, elle a commencé à apprendre à jouer du piano et a poursuivi cette passion avec dévouement et ambition. Son voyage musical l’a menée de Tübingen au vaste monde des instruments à clavier.
Sa formation musicale comprenait le piano, l’orgue et les instruments à clavier historiques, qu’elle a étudiés dans des académies de musique renommées à Lübeck, Vienne et Stuttgart. Ses professeurs, y compris des professeurs comme Jürgen Essl, Arvid Gast, Michael Radulescu, Franz Danksagmüller et Jon Laukvik, ont joué un rôle important pour faire d’elle une maîtresse des instruments à clavier. Mais des masterclasses et des ateliers internationaux ont également marqué son parcours artistique et ont donné à sa musique une dimension profonde et variée.
Eva-Maria Rusche n’est pas seulement une pianiste virtuose, mais aussi une organiste et une claveciniste passionnée. Son voyage musical l’emmène régulièrement dans toute l’Europe, où elle se produit en tant que soliste ou partenaire de musique de chambre avec des ensembles internationaux. Que ce soit au clavecin, au piano, à l’orgue ou au piano carré, sa musicalité et son brio technique enthousiasment son public.
De plus, Eva-Maria Rusche est une pédagogue de musique engagée. Pendant ses études, elle enseignait déjà le clavecin au conservatoire de Stuttgart et transmettait ses connaissances et sa passion pour les instruments à clavier à la génération suivante. A Constance, elle s’est établie dans les domaines du piano, de l’orgue et du clavecin et inspire depuis 2009 les élèves dans les domaines du piano, de la théorie, de l’improvisation, du jeu d’ensemble et de groupe.
Sa polyvalence musicale se reflète dans sa collaboration avec différents ensembles, dont l’Ensemble Supersonus, l’Ensemble Oni Wytars, l’Ensemble Metamorphonica, le Quatuor Ardeo et bien d’autres. Sa palette artistique s’étend de la musique baroque à l’interprétation contemporaine. En tant que joueuse de continuo et musicienne de chambre, elle est très demandée et enrichit la scène de sa virtuosité.
Eva-Maria Rusche n’est pas seulement une musicienne talentueuse, mais aussi une chercheuse et une scientifique. Ses études comprennent l’examen d’un orgue construit en 1700 et l’étude des émotions au début des temps modernes. Ses travaux scientifiques sont une preuve supplémentaire de son lien profond avec la musique et de sa curiosité intellectuelle.
En tant que co-auteur d’éditions musicales et collaboratrice à des projets de recherche tels que « Nordhessische Orgellandschaft », Eva-Maria Rusche a enrichi le monde musical de ses connaissances et de son savoir-faire. Ses CD, dont « Resonances » avec l’Ensemble Supersonus et « Alfedans » avec Marco Ambrosini, témoignent de son excellence artistique.
