Nuestras «Invenciones a dos voces de Johann Sebastian Bach», especialmente arregladas para la nyckelharpa, te invitan a contemplar las obras de Bach bajo una nueva luz. Compuestas originalmente como material didáctico para su hijo Wilhelm Friedemann, las invenciones de Bach representan la música que no sólo debe interpretarse, sino entenderse y crearse como artesanía. Siguiendo esta tradición, nuestra parte de bajo adicional no sólo añade otra capa a las invenciones, sino que también fomenta un enfoque experimental de la música.
La dualidad musical de Bach: la nyckelharpa como puente entre los instrumentos de teclado y de cuerda
Johann Sebastian Bach, maestro del teclado, era igualmente hábil con los instrumentos de cuerda. Su música, compuesta originalmente para piano, despliega una magia única en los instrumentos de cuerda. La nyckelharpa, un instrumento probablemente olvidado en Alemania en la época de Bach, encarna maravillosamente la dualidad de su alma musical. La variedad de articulación que proporciona el arco y la precisión del teclado con sus tangentes permiten redescubrir la complejidad de las estructuras armónicas de Bach. Sin olvidar las cuerdas de resonancia, que permiten experimentar aún más intensamente las conexiones armónicas.
¿Por qué tocar «Johann Sebastian Bach: Invenciones en dos partes» con la nyckelharpa?
La nyckelharpa, antaño olvidada en el mundo germanohablante, vuelve a fascinar hoy con su sonido único. La variedad de su expresión musical, desde la melodía hasta el apoyo armónico, la convierte en el instrumento ideal para la interpretación de la música de Bach. Nuestros arreglos de las invenciones para la nyckelharpa abren nuevas perspectivas sobre estas obras maestras intemporales, retomando y ampliando la diversidad musical y la profunda resonancia emocional de estas composiciones.
Invitación a un experimento creativo
Los arreglos de «Johann Sebastian Bach: Invenciones a dos voces» ofrecen una oportunidad única para explorar y profundizar en el arte de tocar la nyckelharpa. Al añadir una parte de bajo adicional, te invitamos a reinterpretar las invenciones de Bach y a explorar tus propios caminos musicales. Esta edición pretende proporcionar a los músicos un marco para la experimentación creativa y para experimentar la complejidad de las composiciones de Bach bajo una nueva luz.
¿A quién va dirigido «Johann Sebastian Bach: Invenciones a dos voces»?
Esta publicación está dirigida a cualquiera que desee ampliar su expresión musical y sumergirse en el fascinante mundo de la música barroca. Tanto para principiantes como para avanzados, los arreglos están diseñados para ser accesibles a distintos niveles de interpretación. Son ideales para los músicos que buscan nuevos retos y quieren explorar los límites de su instrumento.
Experimenta las invenciones de Bach de una forma nueva: La nyckelharpa abre horizontes musicales
Descubre «Johann Sebastian Bach: Invenciones a dos voces» de una forma completamente nueva a través de nuestras composiciones especialmente arregladas para la nyckelharpa. Déjate inspirar por la combinación única de belleza melódica y profundidad armónica y amplía tus horizontes musicales. Sumérgete en el mundo de la música barroca y experimenta de nuevo el genio intemporal de las obras de Johann Sebastian Bach, interpretadas en uno de los instrumentos más fascinantes de la historia de la música.
Textos en alemán e inglés
VÍDEO: Concierto final Nyckelharpatage en el castillo de Fürsteneck en octubre de 2018 (intérpretes: Marco Ambrosini, Jule Bauer, Anette Osann y Eva-Maria Rusche)
Las invenciones de Bach formaban parte originalmente de su «Klavierbüchlein» como piezas de enseñanza y práctica para su hijo Wilhelm Friedemann Bach y fueron revisadas y reordenadas en 1723.
Casi ningún compositor de la historia de la música occidental tiene la reputación de haber producido obras tan perfectas y autónomas como Bach, y no sólo transponer su música o alterarla en detalle, sino incluso añadirle una voz completamente independiente, debería ser en realidad un esfuerzo inútil.
A juzgar por la propia «Auffrichtige Anleitung» de Bach, es evidente que no sólo le preocupa «interpretar» las obras que ha compuesto, sino también «obtener un fuerte anticipo de la composición». Este planteamiento, esencial en la música barroca, de que hacer música consiste ante todo en entender la música como un oficio que se puede (co)crear, contradice la idea, aún (latentemente) presente hoy del Romanticismo, de la perfección intocable de las obras de genio que deben interpretarse de la forma más «históricamente correcta» posible. Merece la pena tomar conciencia de que a menudo seguimos arrastrando inconscientemente esta idea romántica del arte como algo museístico y, por tanto, vemos todas las demás épocas pasadas como a través de unas gafas del siglo XIX, si no queremos que nuestras alteraciones, transposiciones, recomposiciones o recomposiciones vayan acompañadas de una mala conciencia, como un sacrilegio contra el santuario.
En este contexto, la parte de bajo adicional que hemos añadido no pretende complementar nada de lo que le faltaría a la composición original, sino que debe entenderse como una especie de invitación a experimentar.
A diferencia de las invenciones a tres voces, las invenciones a dos voces se sitúan como un bicinio entre el contrapunto polifónico (que tiene sus orígenes en el Renacimiento), en el que cada voz tiene la misma importancia, y el continuo barroco, que presupone la estructura armónico-vertical como marco de la polifonía y, por tanto, otorga a la voz inferior la prioridad fundamental como fundamento de la armonía. Por tanto, la segunda voz tiene una doble función en las invenciones a dos voces: (1) como contrapartida equivalente a la primera voz y (2) como bajo armónico en el sentido barroco. Esta última función es especialmente evidente en las cadencias.
Sólo en este aspecto, las invenciones son sorprendentemente coloridas y variadas: Según el carácter o la estructura compositiva de las invenciones, la adición de una parte de bajo adicional resulta más o menos satisfactoria. En una invención, por ejemplo, aparece una tercera voz como por arte de magia, mientras que en otra es casi imposible encontrar siquiera una posibilidad que funcione como bajo y que, sin embargo, obedezca a todas las reglas barrocas de conducción de voces
.
La variedad en la música de Bach también se nota en los detalles a la hora de componer obras adicionales: por ejemplo, las secuencias de notas o los temas recurrentes suelen parecer construidos según el mismo patrón a primera vista, pero al echar un segundo vistazo a menudo uno se da cuenta de que esto se aplica a las secuencias de tonos melódicos, pero en absoluto al esquema armónico subyacente.
Básicamente, no partimos de la idea de una armonía polifónica a tres voces, sino de los campos armónicos que ya flotan implícitamente «entre líneas», que sólo se hacen más audibles mediante una parte explícita de continuo. Por tanto, la parte realizada en nuestra edición no es, por supuesto, más que una de las innumerables posibilidades, por lo que siempre hay que tener en cuenta que cada nota sonora real es siempre también una decisión que reduce a una la variedad de posibilidades armónicas contenidas en la música: Al añadir una parte de continuo, desaparecen las fascinantes ambigüedades y las difusas transiciones entre los campos armónicos, tan frecuentes sobre todo en las invenciones a dos voces y que confieren a la música su típico carácter de ondulante y, sin embargo, tan concluyente incomprensibilidad.
La multitud de posibilidades armónicas se agrupa en una sola en determinados puntos de anclaje: en las cadencias (auténticas) que estructuran formalmente las piezas. Aquí sólo existe una posibilidad, a saber, V – I (la cadencia del bajo). Como la segunda parte compuesta por Bach debe asumir la función de bajo armónico, la única posibilidad para nuestra parte de bajo añadida (si no queremos alterar la segunda parte original) es dejar que el continuo corra paralelo a la segunda parte. En la medida de lo posible, hemos colocado la parte del continuo una octava más baja en estos casos, comparable a una amplificación con violón de la parte del bajo en los movimientos corales a cuatro partes.
Depende de cada jugador entender nuestros cambios como sugerencias y continuar su propia investigación, lo que sin duda le llevará al menos a obtener un valioso conocimiento sobre el original.
Como los dos aspectos del continuo (la parte del bajo y los acordes) están inextricablemente unidos, como si fueran dos caras de la misma moneda, lo ideal es que siempre se tengan en cuenta y se toquen juntos durante la interpretación. Sin embargo, la parte del bajo también puede tocarse sin acordes con las dos partes superiores, pero debes tener en cuenta que sólo tiene una función de bajo armónico: En la realización hemos mantenido la parte melódica lo más reducida posible para que la parte del bajo sirva de apoyo pero no sea urgente, es decir, para que el conjunto sea lo más sencillo posible y tan variado como sea necesario.
Del mismo modo, un instrumento de acompañamiento que toque la armonía (por ejemplo, un laúd o una guitarra) puede hacerse cargo de los acordes sin necesidad de un instrumento de bajo adicional, incluyendo idealmente la parte del bajo en mayor o menor medida en función de las posibilidades técnicas.
Un instrumento de teclado (por ejemplo, clave o piano) puede tocar las partes originales parcialmente transpuestas como obbligato. Un continuista experimentado puede utilizar las partes originales, por un lado, y nuestra parte de bajo, por otro, para crear un acompañamiento que, según los gustos, se oriente más hacia la interpretación barroca del bajo continuo o hacia el pensamiento cordal moderno. Por razones de claridad, hemos prescindido de un bajo cifrado adicional.
¿Por qué tocar las invenciones de Bach en la nyckelharpa/viola de cuerda/viola d’amore a chiavi?
En los últimos años, hemos observado un gran interés entre los intérpretes de nyckelharpa por la interpretación de música antigua. Nuestro querido instrumento, no sólo como reconstrucción más o menos correcta desde el punto de vista histórico, por ejemplo de la llamada «sienaharpa» o la «moraharpa», sino también en su versión moderna «continental» de cuatro filas, y su sonido encajan perfectamente con la música desde la Edad Media hasta el Barroco.
Las invenciones de Bach tienen un sonido impresionante cuando se tocan con Nyckelharpor. Hace algún tiempo empezamos a arreglarlas para nuestros alumnos. Tras mejorarlas, probarlas e interpretarlas una y otra vez durante un largo periodo de tiempo, finalmente decidimos poner nuestro trabajo a disposición del gran público a través de esta publicación.
No cabe duda de que Johann Sebastian era ante todo un instrumentista de teclado, pero también se dice que era un excelente intérprete de cuerda. Muchas de sus obras para instrumentos de teclado son maravillosamente adecuadas para ser interpretadas también por instrumentos de cuerda, y su exigencia de esforzarse por conseguir un tipo de interpretación musical «cantable» en el «clavecín» se refiere sin duda a las posibilidades de fraseo de la voz humana y de los instrumentos de viento y cuerda de su época.
El violín con llaves, que con toda probabilidad ya no se conocía en el mundo germanohablante de la época, une precisamente estas dos almas musicales de Bach: El arco, con sus especiales posibilidades de articulación, conduce a través de los giros melódicos y rítmicos de las voces individuales, el teclado, con sus teclas y tangentes, permite una entonación precisa, un sonido de cuerda vacía con cada nota tocada y, en definitiva, también una transparencia quizá única en la compleja estructura armónica de sus obras, sin olvidar las cuerdas de resonancia del instrumento, que pueden servir para intuir mejor las relaciones armónicas a través del sonido más prolongado de las notas tocadas.
Esta edición de las invenciones está especialmente diseñada para violines de cuatro hileras afinados en quintas, aunque la primera parte también puede tocarse con instrumentos de tres hileras en afinación tradicional y de quintas en casi todos los casos.
Una cuestión que se plantea al arreglar música para los distintos instrumentos de la familia de las nyckelharpas se refiere al uso de distintas claves en la partitura. En este caso, se trata de un debate relativamente nuevo, alimentado por la mayor prevalencia de los instrumentos de cuatro filas en el continente y bastante desconocido en Escandinavia. Para el instrumento tradicional sueco, con su afinación específica, las tres filas de claves y el uso de la cuarta cuerda como bordón, no es necesario escribir notas más graves que la tercera cuerda vacía (sol). Por eso, el repertorio sueco normalmente puede anotarse en clave de sol.
Por supuesto, la situación es muy diferente con el violín de cuatro cuerdas. ¿Cómo se pueden escribir las notas para las llaves de la cuarta cuerda (grave)? En este caso, hemos decidido utilizar tres notaciones diferentes: Clave de sol, clave de sol transpuesta y clave de fa.
En cuanto a los símbolos de los acordes, nos hemos ceñido a una notación generalmente comprensible a nivel internacional («B» se refiere aquí al Si inglés, es decir, al Sib alemán) y hemos reducido al mínimo la información más allá de las tríadas y los tetracordos (donde «Oif»=C medio disminuido, «Co»=C totalmente disminuido). Sólo en el caso de notas sostenidas claras en las voces superiores en el tiempo difícil se han registrado en el símbolo del acorde para evitar disonancias involuntarias, por ejemplo «C7( 4-3)». Por supuesto, cada intérprete es libre de incluir más alteraciones accidentales, notas opcionales y alteraciones.
Se han evitado los «acordes cortados» (por ejemplo, C/G) en favor de la claridad: Si el intérprete de acordes acompaña sin un instrumento de bajo adicional, le sugerimos que, en su lugar, tenga en cuenta la parte de bajo anotada. Si no se asigna ningún símbolo a una nota de bajo, se sigue aplicando el anterior.
Hemos arreglado esta edición de las invenciones principalmente para dos violines afinados y continuo, no sólo transponiendo algunas de ellas, sino también alterándolas para que las composiciones suenen a la vez sensatas y, en nuestra opinión, estéticamente valiosas en tales instrumentos.
La vista de puntuación (que está menos pensada para jugar) se utiliza para tener una visión general de los cambios que hemos hecho.
Sin embargo, también son posibles otras instrumentaciones y, por tanto, también están previstas. Por supuesto, las partes que hemos preparado no sólo son adecuadas para violines con llaves, sino que también son excelentes para otros instrumentos de cuerda:
1ª parte
Violín de llaves soprano (afinación de violín)
Violín de llaves alto
Nyckelharpa tradicional de 3 filas
Violín agudo
Violín
2ª parte
Violín alto (4 filas en afinación de viola)
Nyckelharpa tradicional de 4 filas
Violín alto o parcialmente tenor
Viola
Bajo
Violín bajo
Nyckelharpa de octava
Violín bajo
Violonchelo
Esto da lugar a los siguientes ejemplos de posibles nombramientos:
dos violines con llaves u otros instrumentos de cuerda que tocan las partes originales arregladas
tres violines afinados u otros instrumentos de cuerda que tocan las partes originales arregladas y la parte de bajo añadida
dos violines con llaves u otros instrumentos de cuerda que toquen las partes originales arregladas + un instrumento de teclado que toque las partes originales
dos violines afinados u otros instrumentos de cuerda que tocan las partes originales arregladas + un instrumento de teclado o una guitarra/laúd que toca los acordes
dos violines afinados u otros instrumentos de cuerda que toquen las partes originales arregladas + un grupo de continuo que toque la parte del bajo y los acordes (por ejemplo, violonchelo/viola baja y clavicémbalo/laúd/guitarra)
Hemos intentado tener en cuenta todas estas posibilidades diferentes en nuestros arreglos, principalmente para permitir un acercamiento creativo y agradable a este impresionante tesoro de la cultura musical occidental.
¡Diviértete jugando!
Marco Ambrosini, Caterina Other y Eva-Maria Rusche
Septiembre de 2018
Contenido
Contenido
Instrucciones sinceras – Prólogo
¿Por qué tocar las invenciones de Bach en la nyckelharpa/viola de cuerda/viola d’amore a chiavi?
Instrucción directa – Prefacio
¿Por qué deberían interpretarse las Invenciones de Johann Sebastian Bach con la Nyckelharpa?
Inventio 1 (BWV772)
Inventio 2 (BWV773)
Inventio 3 (BWV774)
Inventio 4 (BWV775)
Inventio 5 (BWV776)
Inventio 6 (BWV777)
Inventio 7 (BWV778)
Inventio 8 (BWV779)
Inventio 9 (BWV780)
Inventio 10 (BWV781)
Inventio 11 (BWV782)
Inventio 12 (BWV783)
Inventio 13 (BWV784)
Inventio 14 (BWV785)
Inventio 15 (BWV786)
Texto en el reverso del libro
No cabe duda de que Johann Sebastian Bach era ante todo un instrumentista de teclado, pero también se dice que era un excelente intérprete de cuerda. Muchas de sus obras para instrumentos de teclado se prestan maravillosamente a ser interpretadas por instrumentos de cuerda. La nyckelharpa, que con toda probabilidad ya no se conocía en el mundo germanohablante de la época, une precisamente estas dos almas musicales de Bach: El arco, con sus especiales posibilidades de articulación, conduce a través de los giros melódicos y rítmicos de las voces individuales, el teclado, con sus teclas y tangentes, permite una entonación precisa, un sonido de cuerda vacía con cada nota tocada y, en definitiva, también una transparencia quizá única en la compleja estructura armónica de sus obras, sin olvidar las cuerdas de resonancia del instrumento, que pueden servir para sentir mejor las relaciones armónicas a través del sonido más prolongado de las notas tocadas.
Autor:interior
Marco Ambrosini
Marco Ambrosini, nacido en 1964 en Forlì (Italia), es un destacado músico, compositor y arreglista que comenzó su andadura musical en el mundo de la música clásica. Estudió violín y composición y tocó en varias orquestas y conjuntos antes de experimentar un giro fascinante en su carrera.
Su pasión le llevó a la nyckelharpa, un violín de teclas casi olvidado pero fascinante. Este instrumento, que es una especie de violín con llaves, fascinó a Marco y se convirtió en uno de los primeros en utilizar la nyckelharpa fuera de Escandinavia, no sólo en la música folclórica sueca, sino también en la música antigua y contemporánea.
Ambrosini es conocido por su diversidad artística. Ha trabajado con conjuntos de renombre como L’Arpeggiata, Oni Wytars y Supersonus, y ha conquistado escenarios de todo el mundo. Su talento también se extiende al jazz, donde ha tocado con artistas como Michael Riessler y Jean-Louis Matinier.
Con más de 160 CD grabados y publicados por prestigiosos sellos como Sony Classical, Deutsche Harmonia Mundi y ECM, Marco Ambrosini ha establecido firmemente su influencia en el mundo de la música.
Marco también comparte su pasión y sus conocimientos impartiendo clases en varias universidades de Europa. También ha puesto en marcha iniciativas educativas como el Programa Europeo de Formación de Nyckelharpa y es director artístico de las Clases Magistrales de Verano de Música Antigua.
Marco Ambrosini es un músico de talla mundial y un maestro de su oficio. Su música inspira y enriquece el mundo de la música tradicional, y su influencia traspasa fronteras y épocas.
Caterina Otros
Caterina Other es una artista excepcional que lleva inmersa en el mundo de la música desde que era niña. Recibió su formación musical básica con el violín, pero su pasión la llevó al fascinante mundo de la nyckelharpa sueca. Su formación en la Academia del Castillo de Fürsteneck le permitió descubrir los secretos de este instrumento único.
Como graduada del Programa Europeo de Formación Avanzada de Nyckelharpa, Caterina comparte ahora sus conocimientos y habilidades impartiendo cursos y clases para la nyckelharpa. Su pasión por la música se extiende a proyectos de música antigua como «bach transparent», así como a la música folk con grupos como «Strömkarlen» y «Fröken Schultze».
Lo que caracteriza a Caterina es su profunda conexión con su propia tradición musical y la forma en que la vive en toda su diversidad. La nyckelharpa, un violín de 16 cuerdas, tiene un significado muy especial en sus manos. Cambia el tono de las cuerdas melódicas pulsando un botón, y las doce cuerdas resonantes adicionales dan a su interpretación un sonido inconfundible.
Caterina creció en una familia de músicos, pero decidió conscientemente seguir su propio camino musical. Tras una exitosa carrera como modista en la Ópera Semper y en mercados medievales, un golpe del destino la llevó a dedicarse por completo a la música hace más de diez años. La nyckelharpa se convirtió en su nuevo camino y comenzó un programa de formación de tres años que profundizó su pasión por este fascinante instrumento.
Su música es un poderoso cruce entre la música antigua y la chanson moderna. Caterina es miembro del Cuarteto Nyckelharpa y amplía constantemente sus horizontes creativos. No sólo es una música excepcional, sino también una profesora inspiradora, e incluso ha introducido a alumnos en el arte de la nyckelharpa en Dresde.
Caterina vive en Quohren, cerca de Dresde, y es una de las pocas artistas que contribuyen al florecimiento de la nyckelharpa en Alemania. Su música se caracteriza por la melancolía, el misticismo y el misterio, y es capaz de llegar al alma de sus oyentes.
Eva-Maria Rusche
Eva-Maria Rusche, nacida en Tubinga (Alemania), es una artista extraordinaria cuya vida se ha caracterizado por la fascinación por tocar el piano. Comenzó a aprender a tocar el piano a la tierna edad de 5 años y continuó esta pasión con dedicación y ambición. Su viaje musical la llevó de Tübingen al amplio mundo de los instrumentos de teclado.
Su formación musical incluyó piano, órgano e instrumentos de teclado históricos, que estudió en renombradas academias de música de Lübeck, Viena y Stuttgart. Sus maestros, entre los que se encontraban profesores como Jürgen Essl, Arvid Gast, Michael Radulescu, Franz Danksagmüller y Jon Laukvik, contribuyeron significativamente a que se convirtiera en una maestra de los instrumentos de teclado. Pero las clases magistrales y los talleres internacionales también moldearon su desarrollo artístico y dieron a su música una dimensión profunda y variada.
Eva-Maria Rusche no es sólo una pianista virtuosa, sino también una apasionada organista y clavecinista. Su periplo musical la lleva regularmente por toda Europa, donde actúa tanto como solista como en música de cámara con conjuntos internacionales. Ya sea al clave, al piano, al órgano o al pianoforte, su musicalidad y brillantez técnica deleitan al público.
Eva-Maria Rusche es también una comprometida profesora de música. Incluso durante sus estudios, enseñó clavicémbalo en la Universidad de Música de Stuttgart y transmitió sus conocimientos y su pasión por los instrumentos de teclado a la siguiente generación. En Constanza, se ha establecido en las áreas de piano, órgano y clavicémbalo y, desde 2009, inspira a los alumnos en las áreas de piano, teoría, improvisación, conjunto y toque de banda.
Su versatilidad musical se refleja en su colaboración con diversos conjuntos, como Ensemble Supersonus, Ensemble Oni Wytars, Ensemble Metamorphonica, Quatuor Ardeo y muchos más. Su paleta artística abarca desde la música barroca hasta las interpretaciones contemporáneas. Está muy solicitada como intérprete de continuo y músico de cámara, y enriquece el escenario con su virtuosismo.
Eva-Maria Rusche no es sólo una música de talento, sino también una investigadora y erudita. Sus estudios incluyen la investigación de un órgano construido en 1700 y la investigación sobre las emociones en la época moderna temprana. Su trabajo académico es una prueba más de su profunda conexión con la música y su curiosidad intelectual.
Como coautora de ediciones musicales y como colaboradora en proyectos de investigación como «Nordhessische Orgellandschaft», Eva-Maria Rusche ha enriquecido el mundo musical con sus conocimientos y habilidades. Sus CD, como «Resonances» con el Ensemble Supersonus y «Alfedans» con Marco Ambrosini, son testimonio de su excelencia artística.
